Творцы искусства Высокого Возрождения создали образ прекрасного гармоничного человека, сочетавшего физическую красоту и духовное совершенство. Идеалы итальянских гуманистов нашли немало сторонников и последователей среди европейских мыслителей, также пытавшихся отстаивать право человека на счастье, утверждавших ценность и уникальность любой личности.
«Какое чудо природы человек!» В далёкой Англии гуманистические традиции Возрождения ярко проявились в творчестве Уильяма Шекспира (1564—1616). Поэт и драматург провёл юность в маленьком провинциальном городке, сонной и размеренной жизни которого он предпочёл шумный Лондон. Шекспир был влюблён в театр, выступал как актёр, писал пьесы. Окружающий мир он воспринимал как сцену, а людей — как актёров. Он свято верил в то, что театр должен стать для современников настоящей школой, которая научит их не сгибаться под ударами судьбы, презирать предательство и лицемерие, противостоять подлости.
Уильям Шекспир. Гравюра С. Казинса
В шекспировских произведениях много прекрасных, мудрых и гордых людей. Герои любят и страдают, совершают ошибки, разочаровываются, борются за своё счастье и чаще всего в этой борьбе проигрывают. Погибает несчастная Офелия, преданная самыми близкими людьми; поверив клевете, Отелло убивает Дездемону; отравленный клинок поражает Гамлета; короля Лира лишают крова и обрекают на скитания и нищету собственные дочери. Каждый ищет свой ответ на вопрос, как поступить, столкнувшись со злом:
…покориться
Пращам и стрелам яростной судьбы
Иль, ополчась на море смут, сразить их
Противоборством?
Против юных Ромео и Джульетты — весь свет. Их попытка противостоять семейной вражде, трагическому стечению обстоятельств приводит влюблённых к гибели. Но ничто не заставит отказаться от высокого и светлого чувства, сделавшего героев свободными и счастливыми. Так вопреки поражениям и смерти утверждается мысль Шекспира: «Какое чудо природы человек!»
Такой же силой духа и мужеством обладают странствующий рыцарь Дон Кихот и его верный слуга Санчо Панса, путешествующие по дорогам Испании и помогающие всем, кто слаб и несчастен. Эти замечательные персонажи были придуманы испанским писателем Мигелем Сервантесом. (1547—1616), чья судьба похожа па настоящий приключенческий роман.
Он происходил из семьи обедневшего дворянина, получил университетское образование и поступил на военную службу. В морском сражении Сервантес потерял руку, а по дороге домой попал к разбойникам и 5 лет томился в плену в Алжире. За огромную сумму семье удалось выкупить его и вернуть на родину. Здесь начался самый важный период в жизни Сервантеса: он становится писателем. «Дон Кихот» был задуман автором как пародия на средневековые рыцарские романы.
Его главный герой — высоченный тощий Рыцарь Печального Образа, взгромоздившись на полуживую клячу, надев старые помятые доспехи и шлем с картонным забралом, отправляется странствовать. Всякая несправедливость вокруг: жадный хозяин, который не платит жалованье батраку, страдания каторжников, осуждённых жестоким судом, — вызывает его благородное негодование. Как истинный рыцарь, Дон Кихот обнажает оружие и защищает обиженных, потому что «ради свободы… как и ради чести, можно и должно рисковать жизнью».
Часто он попадает в нелепые ситуации. Однажды, приняв ветряные мельницы за злых великанов, бросается на них с копьём, в другой раз вступает в битву с вражеским войском, оказавшимся лишь стадом баранов.
Однако внимательный читатель не спешит посмеяться над героем Сервантеса. За внешне смешными поступками безумного Дон Кихота он видит мудрость, благородство и человечность. Так и бродит по дорогам в сопровождении своего оруженосца последний рыцарь добра в мире несправедливости, помогая людям стать немного лучше.
Эпоха титанов. Возрождение часто называют эпохой титанов. В самом деле, трудно найти другое время, отмеченное творчеством такого числа гениев, каждого из которых природа щедро наделила универсальными талантами.
Одним из них был Леонардо да Винчи (1452—1519). Его необыкновенная одарённость поражала современников. Леонардо был художником, поэтом, архитектором, скульптором, музыкантом, он замечательно пел, увлекался физикой, математикой, астрономией, историей, философией, разбирался в механике и военном деле. Его всеобъемлющий многогранный ум не имел себе равных даже среди разносторонних гениев Возрождения.
Люди, знавшие Леонардо да Винчи, отмечали, что он своей наружностью являл высшую красоту: высок ростом и хорошо сложён, очень силён (правой рукой гнул стенное железное кольцо или подкову, как свинец), всегда щегольски одет, его беседа была обворожительна.
После смерти Леонардо осталось около 7 тыс. страниц записей, черновиков, рукописей. А вот картин сохранилось совсем немного, хотя именно живописи он отдавал предпочтение, считал её царицей искусств. В своём трактате о живописи Леонардо говорит о художнике как о человеке, наделённом божественным могуществом, способном охватить разнообразие природы и воссоздать его сначала в уме, а потом на бумаге или холсте.
Мадонна Литта (Мадонна с Младенцем). Художник Леонардо да Винчи
Попробуйте объяснить, почему Мадонну и Христа художник пишет как своих современников — обычных людей. Почему не использует традиционные атрибуты божественного?
Леонардо был не только гениальным живописцем, но одновременно и проницательным исследователем. Математические расчёты помогали ему показать в картинах глубину пространства, перспективу. Длительные опыты научили изображать объём при помощи тончайших оттенков, игры света.
Героями своих картин Леонардо делал не богов и святых, а обычных людей. Такова юная Мадонна с Младенцем («Мадонна Литта»). В мягких переливах света и тени — мать, прижавшая к груди дитя. Нежное объятие её рук, лёгкая полуулыбка передают бесконечную любовь земной женщины к своему ребёнку. За спиной Мадонны два окна, в которых виден прекрасный пейзаж. И как бы оставляя в наследство будущим поколениям загадку, Леонардо изобразил землю с огромной высоты. Только истинный гений, живший в эпоху, когда люди и мечтать не могли о том, чтобы подняться в воздух, смог показать мир, недоступный фантазии простого смертного.
Не меньше загадок таится и в портрете Моны Лизы («Джоконда») — жены богатого флорентийца. Спокойно и величественно восседает она в кресле, глаза пристально смотрят на зрителя, на губах едва уловимая улыбка, «столь приятная, что, глядя на этот портрет, испытываешь более божественное, чем человеческое, удовольствие», как писал биограф художника. Неуловимая дымка окутывает лицо и фигуру Моны Лизы, смягчает контуры. Кажется, эта женщина владеет какой-то тайной, волнующей и наших современников.
Мона Лиза (Джоконда). Художник Леонардо да Винчи
Перед вами портрет молодой флорентийки Джоконды. Рассмотрите его. Какие ощущения, эмоции, впечатления возникают у вас при знакомстве с героиней? Как вы думаете, почему в качестве фона для портрета Джоконды Леонардо выбрал природу? Заметили ли вы в пейзаже что-то необычное? Какую мысль художник хотел донести до зрителя?
Кроме живописных произведений, сохранилось несколько грандиозных фресок Леонардо. Изображение «Тайной вечери» украсило стену богатого миланского монастыря. Евангельский рассказ повествует о том, как Христос незадолго до смерти в последний раз собрал учеников. Только что произнесено пророчество: «Один из вас предаст меня». Ученики поражены страшными словами. Реакция каждого неповторима: удивление, страх, гнев, недоверие, отчаяние. Иисус спокоен и печален, и только его руки, бессильно лежащие на столе вверх ладонями, выражают покорность судьбе, ожидание неизбежной гибели.
Последние годы жизни Леонардо провёл вдали от родины, во Франции, где ему было предложено место придворного живописца.
Почти на полвека пережил Леонардо да Винчи его постоянный соперник в искусстве Микеланджело Буонарроти (1475—1564). Ему принадлежат замечательные произведения скульптуры, архитектуры, живописи. По сам он считал себя мастером скульптуры, в ней видел «первое из искусств», лучше всего прославляющее человека, его красоту.
Микеланджело работал во Флоренции. Будучи талантливейшим скульптором, он считал, что в глыбе мрамора природой уже заложено произведение, автору нужно только отсечь всё лишнее. В одном из сонетов он писал:
И высочайший гений не прибавит
Единой мысли к тем, что мрамор сам
Таит в избытке, — и лишь это нам
Рука, послушная рассудку, явит.
Микеланджело Буонарроти. Художник Д. Гизи
Ещё при жизни Микеланджело приобрёл славу искуснейшего творца. Однажды ему сообщили о прекрасном мраморе, лежащем во дворе одного из флорентийских соборов. С этим камнем уже пытались работать несколько скульпторов, но безуспешно. Церковные власти махнули на всё рукой, и глыба продолжала стоять в бесформенном виде долгие годы. Микеланджело загорелся желанием выполнить скульптуру необычайной высоты 5,5 м. Заново обмерив весь кусок мрамора, он приступил к задуманному.
Законченное произведение ошеломило современников. Микеланджело изваял обнажённую фигуру прекрасного юноши. По библейской легенде, юный пастух Давид отважился на бой со страшным великаном Голиафом и сразил его камнем, выпущенным из пращи. Скульптор изобразил Давида перед поединком. Лицо его полно гнева, сильная рука сжимает пращу. Соразмерностью и красотой произведение превзошло все известные шедевры, затмило даже греческие и римские статуи, как отзывался о «Давиде» современник.
Давид. Фрагмент скульптуры Микеланджело. 1501—1504 гг.
Открытие монумента превратилось в народное торжество. Флорентийцы установили памятник на площади перед зданием городского самоуправления, чтобы власти справедливо управляли городом и мужественно его защищали.
Мало кто из современников знал, что Микеланджело посвящал себя служению ещё одной музе — Поэзии.
Его стихи поражают невероятной силой, сходством с изваянными из камня величественными фигурами, ведь пером водила рука, привыкшая держать резец скульптора. Наброски стихов можно увидеть на листках с рисунками.
Стихи Микеланджело полны раздумий о совершенной красоте искусства, которое переживёт своих создателей:
Удел искусства более велик,
Чем естество! В ваяньи мир постиг,
Что смерть, что время здесь не побеждает.
Последние годы жизни творца прошли в трудах и одиночестве, своей семьи у Микеланджело не было. Он умер в возрасте 89 лет, достигнув вершины славы в окружении нескольких преданных людей. До последних дней мастер продолжал работать над главным проектом — Собором Святого Петра в Риме.
Итальянское Возрождение невозможно представить без живописи Рафаэля Санти (1483—1520). Всего 37 лет прожил этот гений. Он покинул мир в расцвете сил и славы, оплакиваемый многочисленными друзьями и учениками. Природа наделила Рафаэля трудолюбием, скромностью и добрым нравом. Доброжелательность сочеталась с замечательным умом и редким даром живописца. Может быть, поэтому мир на картинах Рафаэля выглядит совершенным и прекрасным, гармоничным и спокойным.
Рафаэль выполнял разные работы. По заказу пап расписывал в Ватикане покои и залы для торжественных церемоний, проектировал римский собор Святого Петра, украшал интерьеры церквей и дворцы вельмож. Исключительное место в искусстве мастера занимали женские образы. «Мадонна Конестабиле» — воплощение женственности и материнской любви. Рафаэль расположил её фигуру на фоне мягких очертаний невысоких холмов вокруг озера. Тонкие деревца, прозрачный воздух создают ощущение мечтательности, лёгкой грусти, это подчёркивают и едва заметный наклон головы Мадонны, округлые линии тела. Женщина охвачена трогательной любовью к сыну. И только нимбы над головами Мадонны и Младенца напоминают о божественной природе.
Автопортрет. Художник Р. Санти
Для монастыря Святого Сикста Рафаэль написал главный образ алтаря — «Сикстинскую Мадонну». «Единственной в своём роде» считали эту картину знатоки живописи. Медленно, как будто не ступает босыми ногами по облакам, а легко парит над ними, Мария движется навстречу судьбе. Недетски серьёзен взгляд Младенца Христа. Он словно предчувствует грядущие мучения и гибель. Печален и тревожен взгляд Матери, она знает о том, что предстоит, и всё же идёт вперёд, чтобы отдать людям Ребёнка, ценой жизни которого им откроется путь к спасению.
Северное Возрождение. Гуманистические идеалы итальянского Возрождения повлияли на искусство стран Западной и Центральной Европы.
Сикстинкая Мадонна (Мадонна с Младенцем, Святым Сикстом и Варварой). Художник Р. Санти
Всмотритесь в живописное полотно, написанное художником для алтаря церкви монастыря Святого Сикста в Пьяченце (Италия). Сравните его с уже знакомым вам полотном «Мадонна Литта». Есть ли нечто общее между образами Девы Марии? Сумели ли вы заметить различия? В чём они выражаются?
Благотворным оказалось воздействие итальянского искусства на культуру Германии. Не случайно немецкого живописца, гравёра и учёного Альбрехта Дюрера (1471—1528) сравнивали с Леонардо да Винчи. Подобно великому итальянцу, Дюрер занимался математикой и механикой, был сведущ в архитектуре, писал стихи, но главным делом жизни считал искусство. Сильное влияние на творчество Дюрера оказали поездки в Италию. Во время одной из них он познакомился с Рафаэлем и подарил ему автопортрет, вызвавший восхищение прославленного мастера. Но главным учителем Дюрера была природа: он рисовал прекрасные пейзажи, натюрморты. После возвращения на родину художник открыл в Нюрнберге свою мастерскую. В своих работах он утверждал гуманистическое понимание личности. Автопортреты донесли образ живописца и до нас. В наиболее прославленном (1498) из них Дюрер изобразил себя в виде нарядно одетого кавалера-дворянина. Спокойная поза, уверенный взгляд свидетельствуют о чувстве собственного достоинства, стремлении автора видеть в художниках не ремесленников, а мыслителей. С юности художник увлёкся гравюрой. Появившиеся в XV в. «летучие листки» (так называли гравюру) были очень популярны — в местах паломничества можно было получить гравюры с изображением святых. Технику гравирования Дюрер довёл до совершенства.
Автопортрет. Художник А. Дюрер. 1498 г.
С замечательным мастерством молодой художник выполнил серию гравюр к последней книге Нового Завета — Апокалипсису, в которой рассказывается о грядущей гибели мира. Самый известный лист серии — «Четыре всадника». Всадникам, олицетворяющим страшные бедствия людей (мор, войну, голод и смерть), дана
власть истребить часть человечества. Под копытами их коней гибнут грешники, среди которых король и священник. Большое влияние на Дюрера оказала встреча с Эразмом Роттердамским. Два выдающихся современника высоко оценили друг друга: Дюрер сделал набросок углём и позднее превратил его в знаменитую гравюру, на которой изобразил Эразма за стойкой для письма, с пером и чернильницей в руке, а великий философ восторженно отзывался о мастерстве художника.
Экономический расцвет, который переживают в XVI в. Нидерланды, приводит к тому, что растут и становятся торговыми центрами мирового значения города, бурно развивается общественная жизнь. Вслед за торговыми устанавливаются прочные культурные связи с Италией, что открыло пути для широкого распространения идей гуманизма. Этому в немалой степени способствовало прекрасно развитое издательское дело.
Четыре всадника. Из серии «Апокалипсис». Художник А. Дюрер. 1498 г.
Нидерландские живописцы изображали на своих полотнах вполне реальных персонажей: купцов, кораблестроителей, крестьян, членов городского магистрата, нищих. Они создавали картины, героями которых были торговцы в лавках, менялы в конторах, крестьяне, занятые повседневными делами. Именно за свою любовь к изображению простолюдинов и народных сцеп Питер Брейгель Старший (между 1525 и 1530—1569) был прозван Мужицким.
Брейгель был образованным человеком, членом гильдии живописцев, хорошо знал итальянское и французское искусство. Он жил в Антверпене и Брюсселе, однако часто посещал окрестные сёла. Биографы рассказывают, что Брейгель любил переодеться в крестьянскую одежду и смешаться с толпой, чтобы беспрепятственно наблюдать за сельской свадьбой, деревенским карнавалом, театральным представлением на ярмарке или событиями в таверне, подмечая характерные движения, выразительные жесты и позы персонажей своих будущих картин.
Полотно «Крестьянский танец» переносит нас на праздничную деревенскую улицу. Художник любуется грубоватым весельем крестьянского праздника, шумным гомоном многолюдной толпы. Автор соединяет фигуры так, чтобы дать зрителю возможность рассмотреть отдельные сценки. В неловких движениях и неуклюжих фигурах танцоров, простоватых лицах участников бесшабашного веселья угадывается сила и мощь народа.
Художник изображал не только сельские праздники, но и полные тяжёлого труда крестьянские будни. Им была создана серия картин «Времена года», посвящённая отдельным месяцам (в Средние века так иллюстрировали календари). Главный герой произведений — вечный труженик — крестьянин, которому природа диктует ритм жизни и цикл повседневных работ.
Крестьянский танец. Художник П. Брейгель Старший
«Жатва» — одна из картин этой серии. На фоне пейзажа художник запечатлел уборку хлеба. Жаркое лето, воздух будто насыщен благоуханием цветущей природы — полей созревшей пшеницы, зеленеющих лугов, деревьев, согретых солнцем. Крестьяне убирают урожай, возят сено, вяжут снопы, несколько человек присели передохнуть, истомлённые зноем. Всё в картине буквально пронизано ощущением тишины и покоя, царящих вокруг. Люди ощущают себя частью великого и прекрасного мира, находятся в гармонии с ним. Мужчины и женщины разворачивают нехитрую еду, неторопливо беседуют, кого-то сморила лёгкая дремота. Позы некоторых работников неловки, даже неуклюжи, лица простоваты, но во всём угадывается очень доброе отношение автора к своим персонажам.
Совсем иным настроением проникнута картина «Охотники на снегу», символизирующая зиму. На этой картине царит холод, морозный воздух прозрачен и чист, много белого снега, на котором чётко выделяются тёмные силуэты деревьев. Повсюду глубокие сугробы, по которым бредут усталые охотники. Их путь лежит в долину, там виднеются чистенькие и приветливые домики, церковная колокольня, гружёная телега, медленно двигающаяся по заснеженной дороге. А ещё мы видим крохотные фигурки рыболовов и весёлых конькобежцев на покрытых льдом прудах, придающие этому холодному зимнему дню живую радость человеческого тепла. Эти мирные сценки, так же как и ясные и простые пейзажи сменяющих друг друга времён года, дороги Брейгелю, и за их кажущейся простотой угадывается величественный круговорот вечного обновления.
Воздвижение креста. Художник Π. П. Рубенс
На рубеже XVI—XVII вв. первым живописцем Нидерландов был Питер Пауль Рубенс (1577—1640). В начале своего творчества Рубенс осваивал достижения своих великих предшественников, традиционно обращался к мифологическим и религиозным сюжетам, писал многочисленные портреты. Во время путешествия по Италии он копировал произведения Леонардо, Рафаэля, Микеланджело. Постепенно художник выработал собственный стиль, отличающийся мощной энергией, движением, яркой эмоциональностью, что делало его произведения похожими на театральные драмы. Таков, например, триптих «Воздвижение Христа» (1610), выполненный для церкви Синт-Валбург. Новаторская манера Рубенса свидетельствовала о наступлении новой эпохи в искусстве, новом художественном направлении — барокко.
Жатва («Времена года»). Художник П. Брейгель Старший
Охотники на снегу («Времена года»). Художник П. Брейгель Старший
Сравните две представленные картины серии «Времена года». Что помогает зрителю понять, что обе картины принадлежат к одной живописной серии?
На пути к бессмертию. Долгое время, вплоть до Позднего Возрождения, музыкальное искусство Западной Европы оставалось связанным с церковью. Музыка была главной частью религиозной службы; воздействуя на прихожан сильнее, чем слово, она поддерживала в них молитвенное настроение.
На протяжении столетий церковь бдительно следила за исполнением музыкальных произведений в храме, не допуская малейших отклонений от правил. Но в конце XVI в. под влиянием изменений в жизни общества характер церковной музыки постепенно изменился. Как в живописи и скульптуре, где религиозный сюжет рассматривался гуманистами с позиций человека, так и в музыке духовные произведения стали обращаться к человеческим чувствам.
Широкое распространение и развитие получили светские (нецерковные) произведения. Простой люд распевал песни, которые были подспорьем в тяжёлой трудовой жизни, в быту. В дни праздничных карнавалов во время уличных шествий звучали весёлые танцевальные мелодии. Немало их сочинил специально для народных празднеств Лоренцо Великолепный.
Лютнист. Художник М. да Караваджо
Светскую музыкальную культуру пропагандируют многочисленные гуманистические музыкальные кружки. Музыкальное творчество стало частью жизни не только придворных, но и многих горожан. Правила хорошего тона предписывали молодёжи из состоятельных семей уметь играть на музыкальных инструментах. Итальянский художник Караваджо изобразил юношу, который предаётся мечтам, тихонько перебирая струны лютни. На картинах художников Возрождения можно часто увидеть сцены домашнего музицирования. На полотне неизвестного автора три музыкантши старательно играют по нотам. Причём нотные знаки так отчётливо выписаны автором, что мы при желании можем повторить мелодию.
Высоко ценилось искусство сочинять и петь мадригалы — лирические вокальные произведения, многие из которых слагались на стихи знаменитых поэтов того времени. Мадригалы исполнялись для широкой аудитории и были предшественниками оперы.
Музыка Возрождения вышла из узких рамок церковных правил, заняла полноправное место в ряду других светских искусств, проложив путь бессмертным музыкальным творениям XVII—XVIII вв.
В эпоху Возрождения были созданы шедевры, вошедшие в сокровищницу мировой художественной культуры. В наследство человечеству были оставлены бессмертные произведения, ставшие неиссякаемым источником вдохновения для последующих поколений творцов искусства.
Причудливый стиль барокко. В конце XVI — начале XVII в. в Италии сформировался причудливый и роскошный стиль барокко. Его название происходит от португальского слова, обозначающего жемчужину необычной, неправильной формы. Стиль быстро завоевал популярность и получил широкое распространение в музыке, литературе, живописи, архитектуре, декоративно-прикладном искусстве.
В барокко много изломанных линий, обилие витиеватых деталей, многочисленных символов. Роскошный стиль прекрасно подходил для украшения дворцов знати и богатых храмов. Фасады зданий как будто выгибаются, поражая воображение обилием декора, интерьеры величественны и роскошны. Самым известным скульптором и архитектором, работавшим в стиле барокко, был Лоренцо Бернини (1598—1680).
Площадь Святого Петра. Ватикан. Современная фотография
Рим. Италия. Церковь Санта-Мария на улице Ларго Киджи. Интерьер. 1594 г.
Стиль барокко оказал огромное влияние на моду. Женские и мужские костюмы — настоящие произведения искусства, выполненные из роскошных тканей, украшенные лентами, цветами, рюшами, бантами, драгоценными камнями, вышивкой, кружевом. Неизменным дополнением служили драгоценные веера и ювелирные украшения. В моду вошли барочные жемчужины — жемчужины с неровной поверхностью.
Французский театр эпохи классицизма. Театр возник в античное время и на протяжении столетий играл важную роль в общественной жизни Европы, многократно возросшую в эпоху Возрождения. Творцы искусства создают сложный, подчас противоречивый мир личности, подверженной действиям страстей. Театр становится идеальным местом их осмысления.
В Италии большой популярностью пользовались комедийные представления, напоминавшие весёлый, иногда грубоватый фарс, разыгрывавшийся во время народных праздников, и трагедии — произведения гуманистов, рассчитанные на образованных и зажиточных людей, придворные круги.
Кавалер, приветствующий даму. Художник Я.-Ф. ван дер Мерк
Портрет драматурга Жана Расина. Художник Ж.-Б. Сантер
В Англии расцвет театра связан с именем Шекспира и его прославленным театром «Глобус», на подмостках которого разыгрывали комедии, исторические хроники, трагедии, отражавшие произошедшие социальные и политические изменения. Английский театр становится демократичным. Появляются публичные театры, открытые для посещений широкой публике, но были и придворные, рассчитанные на узкий круг аристократов.
В это время в России
Придворный театр появился и в России. В 1672 г. состоялся первый спектакль, организованный боярином А. Матвеевым. Постановкой руководил немец И. Г. Грегори. Зрителями стали царь Алексей Михайлович и его приближённые. Для спектакля в одной из царских резиденций было построено специальное здание — «Комедийная хоромина». Театральные постановки в «Комедийной хоромине» проходили регулярно вплоть до смерти Алексея Михайловича в 1676 г.
Во второй половине XVII в. главенствующая роль в театральном искусстве Европы переходит к французскому театру. На смену пышному и помпезному стилю барокко приходит строгий и логичный классицизм (фр. classicisme, от лат. classicus — образцовый), в котором за образец берутся произведения античных авторов.
Все пьесы делились на высокие (ода, трагедия, эпопея), героями которых были боги, императоры, полководцы, выдающиеся исторические личности, и низкие (комедия, сатира, басня) — весёлые представления о жизни простолюдинов. Смешивание жанров не допускалось.
Расцвет театра классицизма, связан с творчеством драматургов Пьера Корнеля (1606—1684) и Жана Расина (1630—1699). Герои их трагедий делали сложный выбор между своими желаниями и привязанностями и чувством гражданского долга. Постановки оформлялись пышными декорациями, представление отличалось торжественностью, актёры говорили возвышенным языком нараспев.
Портрет драматурга Пьера Корнеля. Французская линейная гравюра XIX в.
В 1640 г. публике была представлена трагедия Корнеля «Гораций», сюжет которой был заимствован из древнеримской истории и повествовал о войне Рима с городом Альба. Чтобы избежать страшного кровопролития, договорились решить исход поединком воинов — по три человека с каждой стороны: от Рима должны вступить в бой братья Горации, связанные семейными и родственными узами с братьями Куриациями, которые будут биться против них. Участникам событий предстоит сделать суровый выбор между личными чувствами и долгом, доказать свою любовь и преданность родине, которая требует отринуть семейные привязанности. Защитник Рима Гораций убеждён, что такая цена невелика для спасения отечества.
Но смерть нести врагу за честь родного края,
В сопернике своём себя же узнавая,
Когда защитником противной стороны —
Жених родной сестры, любимый брат жены,
И в бой идти скорбя, но восставая всё же
На кровь, которая была своей дороже, —
Такая мощь души лишь нам судьбой дана…1
Продолжателем традиций классицизма в театре стал Расин. Как и Корнель, он черпал вдохновение в античной истории и мифологии. В 1674 г. состоялась премьера трагедии «Ифигения», сюжет которой почерпнут из античной мифологии о Троянской войне. Успех похода греков зависит от попутного ветра и, чтобы умилостивить богов, решено принести в жертву красавицу Ифигению.
Но мать Ифигении и её жених не могут примириться с велением оракула. Разворачивается страшная драма героев, в душах которых борются долг и чувства.
1 Текст даётся в переводе Н. Рыковой.
Но не только высокой трагедией жил французский театр. Популярны были и комедии, в которых действие было приближено к реальной жизни. Драматург Жан Батаспг Мольер (1622—1673) сумел сделать этот жанр «высоким», заставил зрителей не просто смеяться, но задуматься о высоких мотивах и ценностях. Героями его пьес были мещане, всеми силами стремящиеся прослыть аристократами, от чего все их слова и поступки приобретают нелепый и глупый вид. Автор высмеивает социальные уродства, побуждая зрительный зал хохотать над нелепостью героев. Таков герой «Мещанина во дворянстве» господин Журден, купивший дворянский титул и считающий, что деньги решают все проблемы. Он мечтает пролезть в светское общество, подражая дворянам, и даже нанимает учителя философии, от которого с удивлением узнаёт, что всю свою жизнь говорил именно прозой. «Как?! Когда я говорю: Николь, принеси мне туфли и подай ночной колпак, — это проза? Скажите на милость! Сорок с лишком лет говорю прозой — и невдомёк!» Слуги таких господ гораздо умнее своих хозяев, видят их насквозь, смеются над их тщеславием, выступая с позиций здравого смысла и порядочности.
1. Назовите литературные произведения раннего Нового времени, в которых действуют сильные духом и мужественные литературные герои. Как вы думаете, почему авторы произведений показывают своих персонажей в сложных, трагических, необычных ситуациях? 2. Расскажите, чем прославились У. Шекспир, М. Сервантес, Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонарроти, Рафаэль, П. Брейгель Старший, А. Дюрер. 3. Сопоставьте смысл высказываний: «Я ставлю тебя в центре мира…» и «Какое чудо природы человек!». 4. Джорджо Вазари — итальянский художник, архитектор, писатель, автор труда «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих». Прочитайте фрагмент, посвящённый одному из произведений Леонардо.
«Это изображение всякому, кто хотел бы видеть, до какой степени искусство может подражать природе, даёт возможность постичь это наилегчайшим образом, ибо в этом произведении воспроизведены все мельчайшие подробности, какие только может передать тонкость живописи. Поэтому глаза имеют тот блеск и ту влажность, какие обычно видны у живого человека, а вокруг них переданы все те красноватые отсветы и волоски, которые поддаются изображению лишь при величайшей тонкости мастерства. Ресницы, сделанные наподобие того, как действительно растут на теле волосы, где гуще, а где реже, и расположенные соответственно порам кожи, не могли бы быть изображены с большей естественностью. Нос со своими прелестными отверстиями, розоватыми и нежными, кажется живым рот, слегка приоткрытый, с краями, соединёнными алостью губ, с телесностью своего вида, кажется не красками, а настоящей плотью. В углублении шеи при внимательном взгляде можно видеть биение пульса. И поистине можно сказать, что это произведение было написано так, что повергает в смятение и страх любого самонадеянного художника, кто бы он ни был».
О каком произведении пишет Вазари? Что вызывает наибольшее восхищение биографа? Согласны ли вы с мнением Вазари о том, что при взгляде на это произведение скорее видишь божественное, нежели человеческое существо? 5. Укажите общее в библейских образах, созданных художниками и скульпторами Возрождения. Чем можно объяснить это сходство? 6. Найдите в Интернете произведение Рафаэля Санти «Мадонна Конестабиле» и сравните с уже известной вам «Сикстинской Мадонной». Как вы думаете, какие идеи гуманистов Возрождения получили воплощение в этих произведениях? 7. В тексте даны несколько определений стиля барокко. Попробуйте подобрать ещё несколько прилагательных, которые, по вашему мнению, раскрывают его особенности. 8. Попробуйте сформулировать, чем привлекали публику высокие трагедии. Какие чувства старались вызвать у зрителей драматурги?
- 1. Шекспиру приписывают слова: «Весь мир — театр, а люди в нём актёры». Попробуйте прокомментировать их. Как вам кажется, есть ли нечто общее у театра и жизни? Согласился ли бы гражданин античных Афин с мнением У Шекспира о значении театрального искусства? Свой ответ аргументируйте.
- 2. Многие герои литературных произведений Возрождения путешествуют. Как вы считаете, почему и зачем авторы используют этот приём?
- 3. Как вы думаете, почему именно портрет стал для художников эпохи Возрождения излюбленным жанром?
- 4. Выберите и опишите живописное или скульптурное произведение одного из авторов, упомянутых в учебнике. Выскажите своё мнение: свидетельствует ли это произведение о гуманистическом мировоззрении автора?
- 5. Русский писатель И. А. Бунин сказал: «Мир барокко — мир, в котором нет покоя». Прокомментируйте это высказывание.
- 6. Как вы считаете, насколько удобной и функциональной была одежда и мебель стиля барокко? Поясните своё мнение.
- 7. Принято считать, что барокко лучше всего подходит для дворцовых помещений. Как вы думаете, в современной жизни можно ли использовать элементы барокко? Где именно?
- 8. Предположите, в чём была притягательность театра для людей эпохи Нового времени.
- 9. Как вы считаете, только ли простолюдины посещали комедийные представления? Что могло привлечь на подобные спектакли аристократов?
- 10. Выскажите предположение и обоснуйте его, почему комедии Мольера являются важной частью репертуара современных театров. Выясните, какие театральные постановки по произведениям Мольера находятся в репертуаре театров вашего региона.
- 11. В дополнительных источниках информации (в том числе учебнике по истории России) найдите названия спектаклей, ставившихся в придворном театре Алексея Михайловича. Какие сюжеты лежали в их основе?
Живописцы истины
Велико было влияние Эразма Роттердамского на немецкого художника Ганса Гольбейна Младшего (1497—1643). Гольбейн не раз писал портреты выдающегося гуманиста, иллюстрировал его «Похвалу Глупости». За свою жизнь ему удалось создать целую галерею портретов современников. Спокойны и невозмутимы люди, запечатлённые художником, но за непроницаемостью и уравновешенностью отчётливо проступает индивидуальность, сложность и противоречивость человеческой натуры.
Короля Генриха VIII Гольбейн писал много раз, но настоящим шедевром является его портрет почти в полный рост, созданный в 1540 г. Зритель видит перед собой фигуру могучего мужчины, которая занимает почти всё пространство картины, мужественное лицо, взгляд тёмных глаз, устремлённый поверх зрителя. Уверенный жест холёных рук, подчёркнутая торжественная неподвижность позы, надменное выражение — всё свидетельствует о непомерной гордости и упрямстве, безжалостном, не знающем колебаний властолюбии. Впечатление парадности, недоступности усиливает роскошь одежды и обилие драгоценностей, тщательно выписанных автором.
Портрет Генриха VIII. Художник Г. Гольбейн Младший. 1540 г.
Какие художественные средства использовал Гольбейн для создания яркого характера персонажа? Особое внимание обратите на позу короля и жест его правой руки. О чём они свидетельствуют?
Но не только внешний блеск привлекает художника. Гольбейн явно симпатизирует своему герою, увлечён незаурядностью его натуры. Художник предлагает зрителю сосредоточиться на герое, увидеть и понять его душу и характер, отметить гибкий ум, чувство собственного достоинства, суровость и энергию короля, переданные автором картины с истинным вдохновением.
Чем дольше вглядываешься в портрет, тем очевиднее становится замысел Гольбейна — создать образ абсолютной силы и уверенности, заставить поверить в почти божественный характер королевской власти, воплощением которой является Генрих VIII.
Наивысшего расцвета искусство Голландии достигло в творчестве Рембрандта Харменса ван Рейна (1606—1669).
Художник родился в семье мельника, недалеко от притока реки Рейн, поэтому к фамилии семьи стали добавлять «ван Рейн». Рембрандт получил хорошее образование, и родители прочили ему благополучную карьеру чиновника. Но юноша избрал для себя непростой путь живописца. Он никогда не был в Италии, но неустанно изучал искусство титанов Возрождения по копиям и гравюрам. Великому голландцу были близки их жизнелюбие, уважение к человеку, стремление освободить творчество от средневековых ограничений.
Художнику всегда был интересен человек, его внутренний мир. Пристально наблюдает Рембрандт за людьми, старается постичь и передать на полотне их мысли, душевное состояние.
Рембрандт становится модным портретистом. Влиятельные бюргеры, врачи, чиновники наперебой добиваются чести позировать художнику. Заказчики ценили не только превосходно переданный на холсте шёлк и бархат, лёгкость дорогого кружева или блеск драгоценностей, но и то, что мастер умел подметить особенности людей, их характерные жесты и позы.
С годами Рембрандту удаётся глубже проникнуть в тайны человеческой души. Это не всегда нравилось состоятельным людям, и тогда Рембрандт начинает писать простых горожан, бедных ремесленников.
Портрет старика в красном. Художник Рембрандт. Ок. 1652—1654 гг.
Возвращение блудного сына. Художник Рембрандт. Ок. 1668—1669 гг.
«Портрет старика в красном» — трагическая повесть о нелегко прожитой жизни. Поток света выхватывает из темноты фигуру старика. Чуть согнутые плечи, натруженные руки с узловатыми венами, седая борода, нахмуренный лоб и взгляд тёмных глаз придают герою картины облик библейского мудреца.
Художник и сам прожил жизнь, полную поисков и разочарований. Судьба не пощадила Рембрандта: короткий период славы и благополучия сменился непризнанием и полным забвением. Умирает любимая жена, растут долги, распродаются дом, мебель, работы самого Рембрандта и тщательно собранная коллекция. Но чем тяжелее приходилось в повседневной жизни, тем больше сил художник отдавал живописи. Его последняя картина «Возвращение блудного сына» написана в самый горький период — после смерти сына.
В Евангелии есть рассказ о человеке, который покинул семью, долго скитался, а через много лет, растратив богатства, вернулся назад, был прощён и принят в отчий дом. Рембрандт изобразил момент встречи. Блудный сын стоит на коленях у порога дома. Рваная одежда и бритая голова говорят о перенесённых страданиях. Чуткие пальцы слепого старика-отца касаются спины юноши. В жесте рук мы угадываем просветлённую радость почти потерявшего надежду человека и безмерную любовь. Картина наполнена сияющим светом, мягким мерцанием, золотистые блики играют даже на лохмотьях одежды сына, подчёркивая духовное преображение героя.
В отличие от Голландии, Испания и к XVII в. продолжала оставаться страной средневековых пережитков и инквизиции. Здесь с трудом пробивались ростки новой, гуманистической культуры. Завоевательные войны обрекали народ на голод и нищету, ещё более разительную в сравнении с блестящей жизнью аристократии. Этот контраст запечатлён в картинах Диего Веласкеса (1699—1660), придворного живописца короля.
Веласкес писал портреты испанских дворян и самого короля Филиппа IV. Раскрывая внутренний мир своих героев, художник никогда не угождал заказчикам. Живопись Веласкеса запечатлела надменные лица, холодные взгляды, величественные позы придворной знати. Таков и сам повелитель испанцев: некрасивое лицо с тяжёлой челюстью и крупным носом, глаза смотрят равнодушно и мрачно.
Пряхи. Художник Д. Веласкес. Ок. 1659 г.
Всесильного фаворита короля, графа Оливареса, художник написал в тёмной одежде. Над белым отложным воротником — массивная голова. В его облике — жестокость, надменность, самоуверенность в сочетании с проницательностью и умом.
Совсем иное настроение владело Веласкесом, когда он делал небольшие зарисовки из жизни крестьян, ремесленников и солдат. На полотне «Завтрак» показана весёлая сценка в кабачке. Двое юношей приглашают старика-нищего разделить с ними скромную трапезу. Художник подмечает выразительные жесты, простодушные и приветливые улыбки молодых людей. Умудрённый жизнью старик прислушивается к их речам.
Одним из наиболее значительных произведений Веласкеса стало написанное в конце жизни полотно «Пряхи». На картине — мастерская гобеленов. Здесь руками ткачих-тружениц создаются великолепные тканые ковры. Красивы и полны достоинства женщины, выполняющие тяжёлую работу, проворны их руки, изящны движения. Перед их мастерством и трудолюбием преклоняется автор, подчёркивая благородство и привлекательность простых работниц.
Лучшему творению природы — человеку — Веласкес отводил в своих произведениях главное место. На пьедестале его памятника начертано кратко, но ёмко: «Живописцу истины».
